Se dovessimo ridurre la pittura alle immagini che siamo in grado di identificare su una tela, dovremmo ammettere che il lavoro recente di Eduardo Esquivel ha subito trasformazioni radicali.
Anzi, quelle scene diafana rurale inquadrato all'interno l'immensità di un onnipresente Madre Terra, abitato da personaggi attivamente impegnato nella celebrazione di uno o un altro rituale, nella scarnatura paziente su un mandato della comunità, o nella realizzazione di un compito laborioso e misterioso , sembrano essere stati lasciati indietro. Nei pezzi attuali, quelle composizioni rigorosamente organizzati hanno ceduto il loro posto ad un modello quasi omogeneo, all'interno del quale la coordinata spaziale sono sfocati, figure svaniscono, e lo sguardo è lasciato alla deriva nella ricerca di un centro che potrebbe contenere.
Questa situazione è una conseguenza di un'alterazione nel tentativo dell'artista. Esquivel ora dipinge due tele, piuttosto che uno. Si taglia poi a striscioline uniforme e li intreccia. I dipinti che servono come punto di partenza non sono molto diverse dalle sue opera più nota, i risultati, però, sono molto diverse. Considerando che il figurativo era alla base del suo lavoro in passato, oggi i suoi pezzi mostrano una tendenza verso l'astratto.
Il senso di totalità che conteneva sempre nate dal punto di vista a volo d'uccello sopra le scene, e da una composizione centrifuga, ora dà senso alla frammentazione, e l'importanza di una griglia che si estende lungo tutto l'arco della barella. La regolarità del modello sostituisce il trattamento pittorico, l'applicazione spesso di olio, pazientemente incrostati sulla tela, perde la visibilità di fronte alla schiettezza fisica delle strisce di tessuto. L'impronta espressiva si scontra con le sequenze casuali generati dal intreccio delle due tele. La lettura visiva è seguito da un altro, più riflessivo e concettuale. Tuttavia, si osserva di più in profondità, il divario tra la produzione attuale e il suo precursore non è così marcata. Dove in passato l'artista ricorso a motivi iconografici dalla sua terra natale, ora si basa su un altro motivo che è altrettanto onnipresente nella sua nativa San Juan: l'artigianato.
L'integrazione della pittura e la tessitura è una scommessa molto coraggiosa. Non solo perché mette a confronto due discipline di tradizione molto diversi, ma soprattutto perché promuove un dialogo tra due produzioni estetiche che sono state presentate come antagoniste nel corso della storia, quella, un'arte 'primari', l'altro, 'minori', uno stimato per la sua libertà e l'innovazione, l'altro stimato per la sua abilità tecnica e l'attaccamento alle tradizioni e del patrimonio ... due regni che hanno, per secoli, è rimasto relegato in campi nettamente differenziati e si sforza, due approcci che raramente hanno trovato l'occasione per una interrelazione produttiva, o di un reciproco rafforzamento.
Nell'integrazione pittura e artigianato, non solo stimolato Esquivel dialogo, ma suggerisce anche l'arbitrarietà della separazione. Nella misura in cui entrambi sono manifestazioni radicate nella cultura, espressioni di un popolo devoto ai sensi e al godimento estetico, arte e artigianato sembrano avere più argomenti di unità che per la discordia. In tutto i momenti più illuminato di arte latino-americano, il contatto è stato proficuo. In effetti, molti dei più grandi artisti della regione, regolarmente attingere l'eredità popolare nella ricerca di ispirazione e una vitalità autentica.
Da questo punto di vista, la distanza tra le scene rurali e le tele tessute si presenta come meno abissale di quanto sembrerebbe a prima vista. Su alcune delle istanze formali, è proprio la stessa cosa. Per esempio, la perdita del senso di totalità è altrettanto relativo. Se è vero che la composizione non chiaramente postulare un nucleo organizzativo o centro, questi non scompaiono, ma ora sono implicite. Una gestione intelligente e sottile di luce genera ritmi, orizzonti, stati d'animo, le concentrazioni tonale e prospettive velata ... una struttura che non è messo fuori dall'artista, una volta e per sempre. Invece, è l'osservatore che deve divina, lo scavare, e costruirlo. Così, lo spettatore diventa un vero protagonista, il cui compito va oltre la semplice ammirazione per la ricerca artistica, coinvolge, in quanto, la scoperta delle procedure, i ponteggi e le basi che lo supportano.
Un elemento di continuità è evidente colore. Le tele dipinte mantenere le tonalità ocra dei dipinti più grandi, intervallati da bianchi, gialli e rossi fiammeggianti, a sua volta, sporadicamente i complimenti da parte di alcuni altri colori occasionali, come il blu o verde. Tuttavia, la terra continua a essere una presenza dominante, un compagno obbligatorio che lega l'artista alla sua traiettoria di belle arti, e alle sue radici.
L'indebolimento di temi e strutture narrative trasferimenti attenzione formale alla superficie delle tele. In alcuni casi, l'omogeneità del modello, o l'assenza di un centro di coalescenza sottolinea il rapporto dei pezzi con lo spazio circostante, dotandoli così di una energia centripeta. Si, forse, a causa di questa Esquivel, che ha iniziato a sperimentare il formato e dimensioni dei suoi pezzi, ed a riflettere sulla possibilità che essi possano impegnarsi nel dialogo tra di loro. I ritmi sono ora interni ed esterni, promuovono la vibrazione di ogni pezzo in sé, e - al tempo stesso - una sinergia complessiva. Proprio come ogni pezzo è, in realtà, il risultato della combinazione di due tele, questo stesso movimento ricombinazione sembra proiettare verso l'esterno da ogni quadro, innescando contrappunti e le relazioni.
In questo senso, il lavoro di Eduardo Esquivel non ha perso nulla del suo carattere proiettivo. L'impulso spirituale delle sue scene rurali si traduce oggi in una vibrazione particolare che emerge solo per una comunione con l'osservatore. La percezione di questa armonia è l'orizzonte della pittura dell'artista, è la chiave di accesso ad una esperienza serena, emotivo e meditativo.
Rodrigo Alonso
